Les origines du kimono
Le kimono, reconnaissable par sa forme en T, ses manches flottantes et ses panneaux verticaux drapés des épaules du porteur, incarne le Japon, à la fois réel et romancé, familier et étranger. Dans l'imaginaire populaire, le kimono représente souvent un Japon immuable, traditionnel et éternel.
Mais comment et quand le kimono est-il devenu le costume national du Japon? Pourquoi est-il plus étroitement associé au corps féminin que masculin? Quels processus ont conduit à la transformation du kimono d'un vêtement quotidien à une icône du Japon?
Sommaire:
Les fondements d'une industrie de la mode du kimono
La modernisation du kimono
L'achat des kimonos, façonner les identités
L'idéal du kimono migre vers l'Occident
Les créateurs de kimonos
Du Quotidien à l'Extraordinaire, Hier et Aujourd'hui
L'histoire du kimono depuis 1850, juste avant l'arrivée de la flotte américaine du Commodore Perry au Japon pour forcer l'ouverture de ses ports au commerce international, jusqu'à nos jours, occupe un territoire largement inexploré. Il existe des lacunes majeures dans nos connaissances entre la fin de la période Edo, lorsque le kimono était un vêtement quotidien porté par de nombreux Japonais, et aujourd'hui, où il est principalement réservé aux occasions extraordinaires.
Les changements majeurs dans la conception, la fonction et la signification de ce vêtement ont accompagné les transformations de la société japonaise, de sa politique, de son économie et de son statut international. Au sein du Japon, le kimono a évolué d'un objet d'usage quotidien pour devenir une marque emblématique Niponne. Dans les territoires coloniaux du Japon du début du XXe siècle, le kimono était porté à la fois par le colonisateur et le colonisé, envoyant des signaux complexes selon qui le portait.
Exporté et adopté par les consommateurs en Europe, en Grande-Bretagne et en Amérique, le kimono fonctionnait à la fois comme costume et vêtement.
Les fondements d'une industrie de la mode du kimono
Le système moderne de la mode du kimono est né des fondations institutionnelles façonnées au début du XVIIe siècle. À cette époque, la famille Tokugawa accède au pouvoir, établissant un gouvernement militaire avec sa capitale à Edo (l'actuel Tokyo) et organisant les domaines féodaux en une apparence d'État-nation désormais reconnu comme le Japon. La consommation ostentatoire affichée à travers les choix vestimentaires a révélé la relation enchevêtrée entre le statut social et économique dans le Japon du XVIIe siècle. Dans son livre "Japanese Family Storehouse" (1688), le satiriste social Ihara Saikaku déplorait les sommes importantes dépensées en vêtements luxueux dans la poursuite du désir de vivre au-dessus de sa condition sociale.
Le système social de l'ère Edo
Au début du XVIIe siècle, la famille Tokugawa accède au pouvoir, établissant un gouvernement militaire avec sa capitale à Edo (l'actuel Tokyo) et organisant les domaines féodaux en une apparence d'État-nation. Durant la période Edo, le système de classement social à quatre niveaux positionnait les samouraïs au sommet, soutenus par les agriculteurs qui cultivaient la terre et fournissaient les produits de première nécessité. Les artisans qui fabriquaient les biens matériels occupaient le troisième rang dans la hiérarchie sociale, tandis que les marchands qui commercialisaient ces produits occupaient le statut social le plus bas. Ensemble, les artisans et les marchands étaient classés comme "citadins" (chōnin) et constituaient la base de l'économie urbaine.
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L'évolution des tissus et des motifs
Les tissus et la technologie disponibles au moment de la production dictaient les techniques de tissage, de teinture et de décoration disponibles pour l'artisan textile. La rencontre du Japon avec l'Occident à partir du milieu du XIXe siècle a profondément affecté les matériaux, les techniques de production et la valeur des objets portés.
Les livres de motifs: outils essentiels
Les premiers livres de motifs de kimono ont été publiés en 1666. Environ 170 à 180 ont été publiés entre 1666 et 1820. La plupart des images apparaissant dans ces livres suivaient un format standardisé avec une illustration imprimée sur bois présentant une silhouette en forme de kimono décorée de divers motifs. Dans certaines publications, des commentaires textuels spécifiaient davantage les couleurs de teinture, les méthodes de teinture et d'autres techniques décoratives pour un design particulier.
Le rôle des marchands et des artisans
Les marchands de tissus et les fabricants de kimonos pressaient les tisserands et les teinturiers de développer de nouvelles couleurs, techniques décoratives, motifs et compositions pour satisfaire leurs clients avides de mode. Les livres de motifs servaient à la fois de source de design pour le fabricant de kimono et de catalogue de marchandises disponibles pour le vendeur de kimono. Les illustrations des livres de motifs imprimés sur bois, qui portent souvent des dates de publication, peuvent être mises en correspondance avec des vêtements existants.
L'influence des classes sociales
Bien que l'apparence extérieure d'une hiérarchie clairement définie masquait des disparités économiques et des contradictions significatives, les vêtements distinguaient visuellement les classes. Par exemple, les agriculteurs, qui se classaient au deuxième rang de la hiérarchie sociale, portaient des vêtements faits de matériaux durables et peu coûteux avec des manches qui permettaient une facilité de mouvement. Les paysans pouvaient rarement se permettre les soies luxueuses portées par certains citadins plus riches, mais socialement inférieurs.
Cette structuration complexe de la société Edo a jeté les bases d'une véritable industrie de la mode du kimono, avec ses codes, ses règles et ses innovations, qui allait se développer dans les siècles suivants.
Kimono d'été pour femme (hitoe) avec motifs de grillons et de cages à grillons, fin du 19ème - début du 20ème siècle, teinture par réserve, peinture à la main et broderie de soie sur fond de coton.
La modernisation du kimono
De l'ouverture des ports du Japon au commerce international élargi dans les années 1850 jusqu'aux années 1890, une vague de matériaux, de technologies et de designs importés a infiltré les rivages du Japon. Le mémorandum impérial de l'impératrice Shōken de 1887, diffusé dans le journal Chōya, exhortait ses compatriotes féminines à adopter la mode occidentale, avec la mise en garde qu'elles devaient soutenir les fabricants nationaux. Cela révèle les tensions croissantes auxquelles étaient confrontées quotidiennement les femmes fortunées qui pouvaient choisir parmi la myriade de styles vestimentaires occidentaux et japonais qui s'offraient à elles.
L'influence occidentale sur la cour impériale
L'impératrice portait généralement des vêtements japonais durant les premières décennies du règne de son mari, de 1868 à 1886. Elle continua à porter des vêtements de style japonais même après que l'empereur Meiji soit apparu en uniforme de style occidental en 1872. À partir de 1887 environ, l'impératrice privilégia les robes de style occidental aux kimonos, alors même que ses sujets continuaient à porter leur tenue traditionnelle.
L'ère Rokumeikan: une période charnière
L'époque de 1884 à 1889, communément appelée l'ère Rokumeikan ("Pavillon du Cerf qui brame"), représente le point le plus bas du costume japonais parmi l'élite. Prouver que le Japon était l'égal des nations occidentales devint une priorité pour le pays dans ses efforts pour réviser les "traités inégaux". Le bâtiment Rokumeikan, conçu par l'architecte britannique Josiah Conder, symbolisait les aspirations de l'élite japonaise à être considérée comme égale à leurs homologues britanniques, européens et américains.
L'évolution des fibres et des tissus
Les matériaux et la technologie disponibles au moment de la production dictaient les techniques de tissage, de teinture et de décoration disponibles pour l'artisan textile. La confrontation du Japon avec l'Occident à partir du milieu du XIXe siècle a profondément affecté les matériaux, les techniques de production et la valeur des objets portés. Le Japon a domestiqué les technologies et les matériaux étrangers, exploitant la puissance de l'Occident pour alimenter son industrie textile.
L'adaptation des techniques étrangères
Plutôt que d'adopter ou de copier les outils et concepts occidentaux en bloc, comme on le suppose communément, les tisserands et teinturiers japonais ont exercé une approche adaptative et innovante pour moderniser l'industrie du kimono. Les expositions internationales ont offert au gouvernement japonais l'opportunité de promouvoir les produits et l'industrie de son pays ainsi que d'acquérir de nouvelles technologies et matériaux de l'Occident.
L'émergence d'une nouvelle industrie
L'infrastructure établie pendant la période Edo a fourni un terrain fertile pour le stimulus activé par les matériaux et la technologie étrangers. Les membres des délégations japonaises envoyées aux États-Unis et en Europe ont mené des recherches à l'étranger et sont revenus avec la connaissance de nouveaux matériaux, outils et technologies. Cette modernisation a permis au Japon de développer une industrie du kimono unique, alliant tradition et innovation.
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L'achat des kimonos, façonner les identités
Okakura Kakuzō, enseignant influent et critique culturel qui a assumé le rôle de traducteur de l'art et de l'esthétique japonais pour le monde anglophone, observait en 1904 qu'un sentiment réactionnaire envers "les choses occidentales" s'était emparé du Japon. Ce sentiment croissant de fierté nationale n'est pas surprenant, étant donné que le Japon avait vaincu neuf ans plus tôt son plus grand voisin asiatique lors de la guerre sino-japonaise de 1894-1895 et était embourbé dans la guerre russo-japonaise de 1904-1905.
Une nouvelle ère commerciale
Les grands magasins nouvellement établis du début du XXe siècle ont aidé les consommateurs à naviguer entre les marées des marchandises nationales et étrangères. Les grands magasins utilisaient des stratégies marketing pour se lancer comme les nouveaux arbitres du goût dans le Japon moderne. Contrairement aux magasins de kimono conventionnels de la précédente ère Edo, où les garçons de magasin récupéraient des rouleaux de soie pour l'examen par les clients individuels, les grands magasins du début du XXe siècle étaient des palais d'exposition où la marchandise était présentée dans des vitrines.
Le rôle des grands magasins
L'Echigoya, devenu plus tard Mitsukoshi, a continué à ouvrir la voie en stimulant la demande avec de nouvelles stratégies publicitaires. Mitsukoshi parrainait des concours de design d'affiches qui présentaient les modes de la saison à venir. Sur une affiche mise à jour du matériel promotionnel, le magazine interne de Mitsukoshi présentait une femme vêtue d'un kimono assise sur une chaise entourée de designs d'intérieur et de mobilier inspirés de l'Art nouveau, feuilletant un livre imprimé en xylographie avec des images de personnages de l'époque Edo.
L'évolution des tendances
Les designers émergents, notamment Sugiura Hisui, lui-même collaborateur dans la promotion d'une fusion des esthétiques japonaise et occidentale dans les pages du magazine "Venus", ont laissé leur marque sur les arts graphiques et ont forgé de nouvelles directions dans les tendances de consommation. Hisui, qui est devenu designer en chef de Mitsukoshi de 1910 à 1934, et Takahashi Yoshio, directeur de Mitsukoshi, sont crédités de la campagne marketing de 1905 de Mitsukoshi pour faire revivre le style Genroku.
L'identité féminine moderne
Dans les années 1910, de nombreux artisans ont commencé à se débattre avec les circonstances de l'anonymat et de l'individualité, et se sont engagés dans des débats sur les caractéristiques distinctives de "l'artisanat" et de "l'art". Les motifs de kimono modernes reflètent le rôle multiforme des femmes à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. À cette époque de transition, les femmes qui travaillaient étaient généralement employées comme serveuses dans les cafés de la ville, vendeuses, ouvrières dans les usines textiles, employées de bureau, opératrices téléphoniques, enseignantes ou infirmières.
Kimono long à imprimé japonais
L'émergence d'une nouvelle clientèle
Les épouses de la classe moyenne urbaine constituaient une autre catégorie de consommateurs. Le modèle de la "bonne épouse, mère sage" (ryōsai kenbo) portait souvent un kimono. La "femme ordinaire" (tada no onna) portait des motifs de kimono traditionnels et familiers pour ne pas attirer l'attention sur elle. Sa sœur plus libérée et moderne, la "modern girl" (modan gaaru) émergente, pouvait à l'occasion choisir de porter un kimono à la mode avec ses cheveux modérément permanentés dans un style occidental.
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L'idéal du kimono migre vers l'Occident
Alors que le fictif Monsieur B exprimait une notion romantique du kimono, l'évaluation des vêtements féminins japonais par le Commodore Matthew Perry près de 100 ans plus tôt était moins flatteuse. Perry décrivait les femmes qui le servaient dans la maison du maire de Yokohama comme
"pieds nus et jambes nues, habillées de façon très semblable dans une sorte de robe de nuit sombre maintenue par une large bande passant autour de la taille".
Les premières perceptions occidentales
Deux siècles avant l'arrivée de Perry, le jésuite portugais João Rodrigues avait une impression similaire du kimono. Alors que Perry reconnaissait les distinctions de rang basées sur l'habillement, Rodrigues observait que le kimono était un vêtement long à la façon d'une robe de nuit, qui atteignait autrefois le milieu de la jambe ou du tibia, mais qu'il était désormais considéré comme plus élégant et formel de le porter jusqu'aux chevilles.
L'influence sur l'art occidental
Des sources visuelles du milieu du XIXe siècle ont renforcé la perception occidentale du kimono comme robe de chambre ou peignoir. En 1864, James Tissot achève le tableau intitulé "La Japonaise au bain". Dans la peinture, une femme caucasienne émerge du bain, drapée de manière séduisante dans une reproduction très réaliste d'un kimono. Ce type de vêtement, décoré d'un assortiment spécifique de motifs brodés en soie et fils dorés, était un vêtement formel porté par les femmes riches de la classe militaire.
La transformation culturelle
Mais que se passe-t-il lorsqu'une culture s'approprie un objet d'une autre? Dans son nouveau contexte, divorcé de sa signification sociale, économique et politique, l'objet prend une nouvelle vie. Dans le rendu de Tissot, par exemple, la robe prisée d'une femme japonaise riche de la classe militaire d'élite a traversé le globe du Japon à l'Europe. Dans son nouveau contexte, le kimono est devenu une nouveauté. Dans l'imagination d'un peintre européen, le kimono est utilisé pour incarner un Japon exotique.
Les designers occidentaux s'inspirent
Le kimono a influencé de nombreux créateurs occidentaux, notamment Paul Poiret et Madeleine Vionnet. Poiret est connu pour avoir libéré les femmes des contraintes du corset et des jupons, s'inspirant de la coupe droite du kimono. Vionnet, quant à elle, est connue pour ses vêtements qui se plient, s'enroulent ou se drapent autour du corps. Sa robe emblématique coupée en biais, lancée en 1919, s'inspire du principe de minimisation des déchets de tissu, comme pour le kimono.
L'exportation commerciale
Les grands magasins japonais comme Takashimaya ont également reconnu un marché potentiel pour les kimonos comme souvenirs. Un premier exemple d'un kimono Takashimaya conçu pour l'exportation, acheté par le Victoria & Albert Museum à Londres, est fait de tissu de soie crêpe (chirimen), similaire en texture et en design à un rouleau de tissu de soie crêpe chirimen exposé à l'Exposition de Paris en 1867. Contrairement aux kimonos pour les consommateurs japonais, ce kimono avait des panneaux supplémentaires insérés dans les coutures latérales qui élargissaient efficacement la zone de la jupe et une boucle à l'intérieur du col pour faciliter l'accrochage sur un crochet.
Les créateurs de kimonos
Des années 1910 aux années 1990, une vague de matériaux importés, de technologies et de designs a infiltré le Japon. Les créateurs de kimonos ont émergé comme des artistes individuels, s'éloignant de la tradition de l'artisan anonyme. Cette évolution a été soutenue par les concours sponsorisés par les grands magasins et le gouvernement, ainsi que par les récompenses et honneurs décernés aux individus plutôt qu'aux groupes.
La période de guerre et ses impacts
Dans les années 1940, le gouvernement japonais a ciblé les fabricants de textiles, réglementant leur production. En juillet 1940, le gouvernement a promulgué une loi limitant la fabrication d'articles de luxe. Peu après, des slogans déclarant "Le luxe est l'ennemi" ont commencé à apparaître dans les rues. Les kimonos luxueux faisaient partie des nombreux biens de luxe réglementés. Les matériaux textiles sont devenus si rares que certains Japonais ont été réduits à porter des tissus faits de coton mélangé à de l'écorce et de la pâte de bois (sufu).
Les trésors nationaux vivants
En 1955, le gouvernement japonais a institué un système permettant de désigner des artisans individuels comme "détenteurs de biens culturels immatériels". Aujourd'hui, les récipiendaires de cet honneur sont plus communément appelés Trésors nationaux vivants (ningen kokuhō), la plus haute distinction du gouvernement pour la réalisation artistique. Tabata Kihachi III, Serizawa Keisuke, Inagaki Toshijiro, Moriguchi Kakō et son fils Moriguchi Kunihiko représentent quelques-uns des nombreux artisans textiles qui ont joui de ce statut.
Une designer emblématique: Uno Chiyo
Uno Chiyo (1897-1996) était une pionnière. Elle est décrite dans sa biographie comme une "ingénue de la mode, rédactrice en chef de magazine, créatrice de kimonos et célèbre femme fatale". Sa vie - plusieurs divorces, indépendance financière et succès commercial en tant qu'écrivaine - était atypique à une époque où les femmes étaient encouragées à mener une vie modelée sur le rôle de "bonne épouse, mère sage". En 1949, à l'âge de 52 ans, Uno a établi un projet de recherche sur le kimono et a commencé la publication, dans le cadre de "Style", de "Kimono Primer" (Kimono dokuhon).
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Itchiku Kubota: l'innovation dans la tradition
Itchiku Kubota (1917-2003) était un novateur dans le monde du kimono. Inspiré par un fragment textile du XVIe siècle vu dans une vitrine de musée, Itchiku s'est efforcé de faire revivre l'aura et les techniques de l'une des traditions de teinture les plus vénérées du Japon - communément appelée tsujigahana. Dans sa série la plus ambitieuse, "Symphony of Light", le kimono transcende les limites traditionnelles d'un vêtement portable et émerge comme une œuvre d'installatin.
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Les Moriguchi: une dynastie de créateurs
Moriguchi Kunihiko, désigné Trésor national vivant en 2007, a suivi les traces de son père Moriguchi Kakō, qui avait été désigné Trésor national vivant en 1967. Au sein du monde de l'artisanat traditionnel japonais, c'est la première fois qu'un père et son fils reçoivent la désignation durant leurs vies partagées. Contrairement à son père, qui favorisait l'abstraction des motifs de la nature, Kunihiko s'appuie sur sa formation en design graphique pour guider son processus créatif. Il conçoit ses designs sur papier, chacun méticuleusement dessiné à la main. Ses designs tendent vers le géométrique et jouent avec les illusions optiques, insufflant ainsi au format du kimono un tout nouveau genre de motifs.
Du Quotidien à l'Extraordinaire, Hier et Aujourd'hui
"Si vous avez peur de porter le kimono, ne le soyez pas... Pourquoi suis-je japonais, pourquoi ? Je ne l'ai jamais voulu. Il n'y a jamais eu de choix. Je suis simplement né à Tokyo."
Cette réflexion de Yohji Yamamoto, designer de mode contemporain, illustre parfaitement la relation complexe qu'entretient le Japon moderne avec le kimono. À travers ces mots, le créateur encourage à repenser la rigidité des conventions qui entourent le port du kimono et propose une approche plus libre et contemporaine de ce vêtement traditionnel. Cette tension entre tradition et modernité, entre le quotidien d'hier et l'extraordinaire d'aujourd'hui, caractérise l'évolution du kimono dans la société japonaise contemporaine. De vêtement porté au quotidien, le kimono s'est progressivement transformé en symbole culturel, porteur d'une identité nationale tout en s'adaptant aux changements sociétaux et aux influences internationales. Ce chapitre explore cette transformation fascinante, depuis l'après-guerre jusqu'à nos jours, révélant comment le kimono continue de se réinventer tout en préservant son essence culturelle.
La transformation d'après-guerre
Durant les années 1940-1950, le kimono connut une transformation profonde de son statut. Le gouvernement japonais, face aux pénuries de la guerre, imposa le kokuminfuku ("vêtement du peuple"), une tenue plus pratique et économe. Cette période marqua un tournant décisif où le kimono, autrefois vêtement quotidien, devint progressivement un habit cérémoniel. En effet, de nombreuses familles furent contraintes d'échanger leurs précieux kimonos contre de la nourriture sur le marché noir, donnant naissance à l'expression "existence bambou" (takenoko seikatsu), évoquant la nécessité de se défaire de ses vêtements comme des couches d'un bambou pour survivre.
Le renouveau impérial et commercial
Le mariage du Prince Akihito en 1959 marqua un tournant majeur dans la perception du kimono. Les nombreuses photos de la future impératrice Michiko en kimono ravivèrent l'intérêt populaire pour ce vêtement traditionnel. Japan Airlines capitalisa sur cette tendance en habillant ses hôtesses de première classe en kimono dès 1954, utilisant ainsi le vêtement comme symbole d'une élégance japonaise distinctive. En 1959, la victoire d'Akiko Kojima au concours de Miss Univers, souvent photographiée en kimono, renforça encore cette image positive à l'international.
L'institutionnalisation du port du kimono
Les années 1960 virent l'émergence d'une nouvelle approche du kimono avec la création d'écoles spécialisées. Yamanaka Norio, pionnier dans ce domaine, fonda la Sōdō Kimono Academy en 1964. Ces établissements développèrent un ensemble de règles strictes concernant le port du kimono, ses accessoires et son étiquette. Ce qui était autrefois une pratique naturelle et quotidienne devint un art codifié nécessitant un apprentissage formel.
Le rôle des grands magasins
Dans l'après-guerre, les grands magasins japonais assumèrent un rôle crucial dans la préservation de la culture du kimono. Ils devinrent non seulement des lieux de vente mais aussi des centres d'éducation, enseignant aux nouvelles générations l'art de porter le kimono. Cette période vit également l'émergence d'un "retro boom" dans les années 1980-90, caractérisé par un retour nostalgique aux valeurs traditionnelles et rurales.
Le renouveau contemporain
Aujourd'hui, le yukata, version estivale plus décontractée du kimono, connaît un renouveau significatif. Particulièrement populaire lors des festivals comme l'Obon, il est devenu plus accessible grâce à des enseignes comme Uniqlo qui proposent des versions préemballées avec leur obi assorti. Des événements comme "Kimono de Ginza" et "Kimono de Jack", où les participants se réunissent en kimono dans les rues, témoignent d'un nouvel intérêt pour ce vêtement traditionnel, transcendant les frontières nationales et culturelles.
Adaptation moderne et perspective internationale
La collaboration entre le créateur de mode Yohji Yamamoto et la maison traditionnelle de kimono Chisō illustre parfaitement la façon dont le kimono s'adapte à l'ère moderne. Yamamoto encourage une approche plus libre et créative du port du kimono, s'éloignant des règles strictes traditionnelles. Cette évolution reflète une tendance plus large où le kimono trouve sa place dans un contexte mondial tout en préservant son essence culturelle japonaise.
Bureau de Tourisme du Japon, affiche de la campagne 'Cool Japan' avec les stars de la pop Puffy AmiYumi, 2006
Sumo: le sport de lutte Japonais
